John Frusciante: :II. auf 2 CDs

John Frusciante: Nachdem ich anderthalb Jahre lang Rockmusik geschrieben und aufgenommen hatte, musste ich meinen Kopf frei bekommen. Ich habe Musik gehört und gemacht, bei der die Dinge eher allmählich als plötzlich passieren. Ich habe Patches auf einer Monomachine oder Analog Four erstellt und sie mir angehört, hörte, wie sich ein Sound in andere verwandelte, nahm Änderungen an einem Patch vor, nachdem ich eine ganze Weile zugehört hatte, fügte nach und nach Elemente hinzu und bearbeitete die Sounds schließlich im laufenden Betrieb.

Alle Tracks wurden ohne Overdubs live auf einem CD-Brenner aufgenommen und auf einer oder zwei Maschinen ausgeführt. Während ich fast ausschließlich Künstlern wie Chris Watson, Peter Rehberg, Bernard Parmegiani, CM Von Hausswolff, Jana Winderen, Oren Ambarchi, Hazard, Bruce Gilbert, Klara Lewis, Ryoji Ikeda usw. zuhörte, wurde ich auch von meinen inspiriert Vorstellung von John Lennons Tonband- und Mellotron-Experimenten, den Synthesizern im Song Mass Production von Iggy Pop und die allgemeine Idee von Enos ursprünglichem Konzept der Ambient-Musik.

Musik als einsame Skulptur im Klangraum war der Hauptmotivationsgedanke. Ich habe mir Bilder von Skulpturen angesehen und versucht, Musik zu machen, die gleichzeitig Bewegung und Stille vermittelt. Ich habe auf plötzliche musikalische Veränderungen verzichtet, insbesondere auf Tonfolgen und Rhythmen. Tatsächlich wurde diese Musik aus Sequenzen gemacht, die nie eine einzelne Note überschreiten, viele dieser Stücke sind nach einem einzigen Muster gemacht. Die Bewegung, die ein guter Bildhauer vermittelt, wenn die Form seines Mediums auf die Augen des Betrachters trifft, der um das Stück herumgeht, oder wenn die Sonne ihren Stand ändert, sind die Arten von Bewegungen, die die Synthesizer-Patches vermitteln sollten. Ich benutzte Klang, um das zu erschaffen, was ich als physische Struktur sah.

Ich höre solche Musik, seit ich ungefähr 13 Jahre alt bin, aber ich hatte das Gefühl, dass es außerhalb meiner Reichweite lag, weil ich mir vorstellte, dass es so viel Zurückhaltung erfordern würde. Als ich mich dabei erwischte, diese Musik zu machen, fühlte es sich überhaupt nicht wie eine Frage der Zurückhaltung an. Ich wollte einen bestimmten Gebäudetyp bauen und bestimmte Arten von Bewegungen hören, und ich wusste, wann es fertig war. In meinen Plänen war kein Platz für Tonfolgen und Rhythmen.

Ich kann auch nicht genug betonen, welche Rolle es gespielt hat, in meiner Band zu sein. Zuvor hatte ich 12 Jahre damit verbracht, meine eigene Musik zu programmieren und zu entwickeln, und dann eineinhalb Jahre damit verbracht, Musik zu machen, wobei meine Rolle im Wesentlichen darin bestand, Songs zu schreiben und Gitarre zu spielen. Als die Aufnahmephase der Band abgeschlossen war, musste ich zu meiner angenommenen Sprache zurückkehren. Ich hatte genug mit Akkorden, Rhythmen, Noten, definierten Abschnitten, scharfen Übergängen usw. gemacht. Was ich brauchte, war, Musik von Grund auf mit nichts als Klang zu erschaffen und diese Musik eher das Sein als das Tun widerspiegeln zu lassen. Es war ein therapeutischer Weg, mich vor und während des Mixing-Prozesses meiner Band wieder ins Gleichgewicht zu bringen.

Es gibt zwei Versionen dieses Albums. Die digitale / CD-Version heißt: I I . (ausgesprochen zwei). Dies ist die längere Version. Die Vinyl-Version heißt . I : (ausgesprochen one), und ist kürzer, enthält aber einen reinen Vinyl-Track. Der Grund, warum das Vinyl kürzer ist, ist, dass einige der Tracks Sounds haben, die nicht auf Vinyl gepresst werden können.